随着VR技术的普及以及线下娱乐的热潮，沉浸式艺术被引进国内，并在近两年快速兴起，成为热潮。这种新兴的艺术形式，凭借惊艳的画面呈现效果和带给参展者的非凡体验而广受欢迎，引起了业内的高度关注。
据数据显示，中国线下娱乐近年保持着约15%的年增长率。2017年总体市场规模达到创纪录的3735.1亿元，预计2019年有望达到4900亿元。而2018年是线下娱乐市场到达高谷的一年。这一年，国内兴起了沉浸式艺术展的高潮，无数大大小小的展览走向大众。
2018年4月“不朽的梵高”感映艺术大展落地上海新天地，带领人们“踏进”梵高眼中的星空；5月，故宫联手凤凰卫视合作推出《清明上河图3.0》高科技互动艺术展，引起强烈反响；7月，中国知名艺术家赵旭在中国美术馆举行“漫步星际——赵旭艺术展”；8月，首个充斥着东方文化元素的沉浸艺术展《新壶中天·桃源篇》亮相北京798……
时至今日，沉浸式艺术展越发流行，甚至成了大家必去的“网红打卡点”。
传统的艺术展览主要以公开陈列艺术作品为形式，给予参观者直观的美感。而沉浸式艺术展更注重观展者的体验感与参与度。这种展览运用众多特效，将艺术作品和参观者深度融合，充分调动参观者的五官，将静态的艺术展变得生动。
沉浸式艺术的呈现形式，可以简单归结为“观众走进艺术作品之中，并与之产生交互”。通过利用一些技术装置或者灯光、音乐等艺术效果构建一个空间，观众可以沉浸场景中，对周围情境产生感受,也由此产生相应的情绪与思考。
比如，大型沉浸式艺术展《雨屋》来到中国引发了热烈反响。 通过视、听、触、嗅等感觉和艺术品实现交互参展者全身心的融入、沉浸在场景中，得到多感官的沉浸式审美享受。
《雨屋》于2012年在伦敦巴比肯艺术中心首次展出，2013年在纽约现代艺术博物馆亮相，随即引起一阵轰动。随后，《雨屋》不管在哪个城市展出都能引起一波波排队热潮，据说最长排队时间达到8小时。
2015年，《雨屋》的首次亚洲之行选择来到上海。据统计，《雨屋》在上海余德耀美术馆为期4个月的展期内，共吸引近20万名观众参与，人均排队时长超过2小时，甚至有观众愿意等待9小时，就为了淋那一场10分钟的雨。科技和艺术结合的力量让普通观众着迷，也让艺术家们着迷。
《雨屋》是一个融合奇幻与真实的独特诗意空间，当参观者踏上雨屋的地板，会发现自己的身体如同自带磁场，能够无形地排斥那些从上空垂直坠落的雨水，让水珠停止下落，不再触及我们的衣服与皮肤。我们仿佛拥有控制雨的能力，可以从容朝前走去，而不需仓促寻找避雨之处。
之所以在雨屋之中不被淋湿，是因为天花板上安设了许多3D追踪摄像头，当有人在下面经过，3D镜头会监测游客的实时运动情况并及时地上传给控制系统，系统再控制雨水避开游客。
事实上，《雨屋》就是沉浸式艺术展的一个代表作。早在1900年代，艺术家在非叙事电影里就已经开始尝试制造沉浸式的直观体验，期间经历了科技的更迭，沉浸式艺术也一直不断完善，并被广泛应用于艺术领域。
在交互方式上，沉浸式艺术展大概有两种呈现：参与者与沉浸式装置互动、参与者与同样参与其中的人互动。说到沉浸式装置，不得不提日本科技艺术团体Teamlab，创造了众多光影交织、美轮美奂的沉浸式作品，并在全球举办了多场展览。旗下展览“花舞森林与未来游乐园”更是被誉为全球十大必看展览，其中的花鸟活灵活现，受到了业内业外的一致好评。
而与人互动一般以影片、视频居多，如引进国内还不久的沉浸式戏剧《Sleep No More》。观众不仅再是旁观者，而是作为一名参与者，探索剧情，成为作品内容的一部分。这部神剧取材于莎士比亚经典戏剧《麦克白》，每一位观众都按照自己的“路径”看到不同的麦克白，无论你“进入”这部剧多少次都不会看到重复的剧情。
在沉浸式艺术展中，与人互动通常指的是参展者之间的互动，或是对同一特效之间产生的共感，或是在同一沉浸式空间中的交流互动。
最初，艺术作品更多是以被摆在展厅、博物馆或是装裱在画框中的形式呈现出来。相对而言，艺术家主要专注于如何更完美地完成作品，参观者并没有被考虑其中。这时的艺术作品和参观者之间仿佛有一堵无形的墙，人们只能远远欣赏。
19世纪，文学理论家Hans Robert Jauss提出“接受美学”（Receptional Aesthetic）的概念，开拓了文学研究的新方法。他从读者的角度去重新研究文学作品，这一概念的核心是从受众出发。人，作为主体，开始逐渐获得关注，人们开始强调个人的经验、包容度和参与度。
20世纪60年代，极少主义开始对艺术空间进行剧场化的改造，探讨如何打破画的外框和墙面之间的鸿沟。他们尝试让观众置身于空间中来激发其对艺术的体验，以大幅提升参与感和沉浸感。
德国艺术家Hito Steyerl一直关注当代社会议题，涉及女权主义、军事化以及由电子技术带来的知识的大规模传播。Steyerl认为我们所处的现实是以图像组成，而图像开始于“跨屏幕”，她假设“现实是由后期制成的图像所组成，而后产生渲染效果”，那么人们可以通过后期制作的图像改变现实，而我们以什么样的方式让想法成为现实呢？
随后，装置艺术的发展，则让剧场化更进了一步。艺术家将从考虑单件作品扩大到整个展览本身，整个美术馆的公共空间都将作为整体来考虑。装置艺术对空间的拓展，也让剧场化有了另一个理论基础，整个空间可以作为一种沉浸式的空间，这一空间的规则，是由艺术家与观者共同构建的。
2010年4月，丹麦艺术家奥拉维尔·埃利亚松和和中国新锐建筑师马岩松合作尤举办的沉浸式展览《感觉即真实》在尤伦斯当代艺术中心（UCCA）拉开帷幕，这个展，像是流逝之物和存在之物间的碰撞，为中国的观众打开了一道新的大门。
马岩松在UCCA的大展厅设计了一个长近60 米的蜿蜒的空间，奥拉维尔·埃利亚松用红、绿、蓝三基色组成 “荧光灯阵”，再用雾气充满整个空间。雾与三种灯光的色泽打造出的是一个人工光谱空间。观众真实的存在、活动与在自然界无法看到的光谱中，虚拟和现实的边界被模糊，人和虚拟融为一体。观众仿佛走在虚幻中。
观众如果只用旁观者的视角观察的话，是无法获得刺激的。只有深入其中，只有成为整个艺术品的一部分。
像“感觉即真实”这样，以装置艺术为基础的沉浸式艺术展在随后的几年中越发流行，其中最有代表性的作品之一就是日本艺术家草间弥生的《无限镜屋》。
2013年，草间弥生亚洲巡展在上海当代艺术馆展出。在一间面积约25平方米、高8英尺的封闭房间里，布满了光怪陆离的镜子和灯影，它们反射出色彩斑斓的光芒，就像浩瀚宇宙中的点点繁星，置身其中好像瞬间迷失了方向。
2015年4月，《不朽的梵高》在上海开展，不同于以往单纯的画展，这次展览采用了最新的沉浸式装置，将多媒体画廊与量身定制的展厅巧妙结合。
展出运用了高清晰的连环巨幅屏和幕墙，在交响音乐衬托的动、静态画面切换之间，让观众直面细节的梵高笔触，以及在艺术世界中鲜活起来的梵高。这场展一经推出，引起了热烈反响，打破了传统观展体验的局限性。
2017年，teamLab“花舞森林与未来游乐园”来到北京，这个1500平米的完整空间为我们营造了一个突破现实的迷幻世界。
通过利用实时渲染呈现出一年四季的鲜花，而虚拟的花海会根据观看者的互动行为随之绽放或凋谢。这也就是说，观众在屏幕上即将看到的每一朵花都是独一无二的，一旦凋谢就不会再重生。
teamLab常常在创作中借用许多自然元素，如花朵、蝴蝶、瀑布、水波等，透过这些大型互动场景来感知空间，探索人类行为模式，并对新型社会的发展演变提出创新的模式与思考。
2018年，除了teamLab再次来到中国， 《WAVELENGTH:出厂设置——沉浸式艺术体验大展》、意大利沉浸式多媒体艺术展《文艺复兴2018》、《故宫清明上河图3.0互动展》、各种沉浸式艺术展席卷中国……
由此引发了一个有趣又引人注目的现象：看展，似乎也成了一种日常。在这一过程中除了深度接触艺术、提高审美以外，我们逐渐将其作为一种休闲方式，沉静自己的内心。
随着科技与新兴技术的发展与普及，现代科技与传统艺术发生碰撞，在这种交融中，艺术界的传播与展示方式都得到了颠覆——“沉浸式”艺术展这样的表现形式，就是在这样的时代背景下诞生的。
科技让艺术作品不再依凭单一的感官去感知，而是充分调动观者的视、听、触、嗅等多种感官功能进入到作品的世界，达到全身心的融入、沉浸和情感交流。因此，沉浸式艺术几乎都有一个共性，就是它的开放性、趣味性和高互动性。
无论是《感觉即真实》还是《无限镜屋》、亦或是《雨屋》，这些作品都以一种前所未有的新方式让观众“置身其中”，并且能自由选择观看和感受作品的角度与方式，从而获得一种极其个性化的观感体验。
事实上，高互动性，是吸引大量观众前去一探究竟的一个重要因素。因为高互动性所带来的参与感让观众充满新鲜感和好奇心，使得欣赏艺术的过程变得非常有意思，这样的体验不仅让观众对参观过的艺术作品印象深刻，更促使他们愿意进行下一次尝试。
与此同时，高互动性意味着观众在参观过程中不再置于一种被动的、旁观者的角色，而化身为一个参与者。因为个体的不同，不同的人参与所见所得也不同，因而带来了全新的艺术体验。所以沉浸式展览的积极意义还在于，它能使观众参与到艺术作品的创作之中，而并非只是艺术家单方面的行为。
英国著名艺术评论家约翰·伯格在《观看之道》认为，我们观看事物的方式，受知识与信仰的影响，我们只看见所注视的东西，注视是一种选择行为。这就是说，我们会将看见的事物纳入我们所能及的范围内（虽然未必是伸手可及）。触摸事物，就是把自己置于与它的关系之中。而从接受美学角度来说，艺术的接受不是被动的消费，而是显示赞同与拒绝的审美活动。
相对于完全取代传统艺术展，我们不妨更倾向于将其作为一种观展新方式，又一个多样的选择。科技的进步为艺术的展现方式提供了更多可能，让我们看到了科技与艺术结合所散发出的的绝美之光。
随着沉浸式艺术展的蹿红，也引发了一系列争议。人们不禁质疑：当艺术贴上了沉浸式”、甚至是“网红”等标签，艺术还是原来的艺术吗？
奥拉维尔·埃利亚松曾说：“毕竟下里巴人和阳春白雪不可兼得。有的作品可能吸引眼球但缺乏深度，两者之间最好保持平衡。”
这意味着对于沉浸式艺术展来说，除了绚烂的特效以外，更为深度的内容才是其长久发展所必须考虑的因素。艺术不在于呈现形式，而在于创作者在作品中是否能充分表达其想法，赋予其内涵。
从另一角度看，沉浸式展览无疑为扩大传播力的一个有效途径。通过激发人们的兴趣，越来越多的人开始关注艺术，慢慢走近艺术。艺术不再遥不可及，而是以一种相对“亲民”的方式唤起人们的参与度，由此进一步了解艺术背后的内核。
来源：87870
